Of Detours and Updates| Klangforum Heidelberg | 13.05.2023, 20h |BETRIEBSWERK, Heidelberg| UA
Xu Zhangrun, Liu Xiaobo, Liu Xia, Renkuang und Liao Yiwu – fünf zeitgenössische Gedichte von in China und im Exil lebenden Lyriker:innen bilden die Grundlage für fünf Intermezzi, die wie mäandernde Trittsteine die sechs Sätzen von Mahlers „Lied von der Erde“ neu miteinander verbinden. Jedes Intermezzo knüpft musikalisch direkt an Mahler an. Die fünf Sätze strahlen in Mahlers Werk aus und in sie hinein. Seine Schlussakkorde sind jeweils zugleich Nachhall und Nukleus für die Bewegungen und Entwicklung in Wangs Intermezzi. Wang öffnet Mahlers Klänge oder lässt sie in sich zusammenfallen. Nie sucht sie den direkten Weg zwischen den Sätzen. Sie biegt ab und schafft aus Mahlers tonalen Schatten neue Gestalten. Ihre Musik erzählt von einem anderen China als dem der Tang-Dynastie Dichter Li Bai, Qian Qi, Meng Haoran und Wang Wie, die Mahler in deutscher Übersetzung vertonte – einem China, dass sich exotischem Zugriff verwehrt und die Verschorfungen, die das 20. Jahrhundert hinterlassen hat, nicht versteckt. Wang lässt die Dichter:innen in einer modernen englischen Übersetzung zu Wort kommen – sie sprechen selbst, sie nennen ihre Namen, sie kommunizieren in einer unmittelbar zugänglichen Sprache mit uns und untereinander. Das Megafon wirft der ewig gleichen Propaganda Wahrheiten zurück (I.), Anklänge an elektronische Tanzmusik sind wie die Echos eines Techno-Tracks, mit dem man den „Jammer der Erde“ im Club wegtanzt (II., IV), eine rhythmische Passacaglia scharrt in der Erde (III.), Ideen verdichten sich und blühen neu auf – ein Zyklus im Zyklus wird gebildet (I., V.). Wangs Musik ist hoch assoziativ, ohne narrativ zu sein. Ihre Gestalten sind direkt zugänglich, Emotionen nie durch Abstraktion verdeckt. Die E-Gitarre unterstreicht manche Worte, konnotiert, kommentiert andere. Sie ist das Nebengeräusch des neuen Jahrtausends.
EMULsonic |Asianart Ensemble | 15.05.2023, 20h | Konzerthaus Berlin| UA
„Emulsion“ bezeichnet ein feines Gemisch aus ursprünglich nicht mischbaren Substanzen. Der „Emulgator“ ist ein Hilfsstoff, der die „Grenzflächenspannung“ der Substanzen auflöst und so diese Verbindung ermöglicht. Diese einfache chemische Beobachtung, deren Realität in Form von Milch oder Hautcremes für uns Alltäglich ist, war Ausgangspunkt für Ying Wangs „Emulsonic“. Wang Substanzen sind Techno, traditionelle japanische und europäische Musik, Morse-Codes und Noise in den unterschiedlichsten Farben. Ihr Emulgator ist die Klangfarbe und der Rhythmus. Während das Material selbst divers bleibt, teils tonale und formal große Sprünge vollzieht, so sind die Übergänge in der Klangfarbe stets nuanciert, fließend, mittels ineinandergreifender Partikel gestaltet. Wang versucht das musikalische Material – die Substanzen – von deren historischen Schlepptaus zu befreien, indem sie deren Grenzflächenspannung aufgelöst. Es entsteht eine wogende, abwechslungsreiche Musik, die danach sucht „absolut“ zu werden.
für Koto und Quartett
musiktheater| Lorry 39 | 21.05.2023, 20h |SWR 2
Why Lorry 39 is a piece of music theater. Lorry 39 is an artistic exploration of the dismay and anger left by the news of the tragic event of October 22 and 23, 2019. The incomprehensible agony in the dark, blazing hot container; the lies and compulsions that led to this journey in the first place; the fatal consequences of small omissions, coincidences and mistakes; the angry disappointment that after Parndorf something like this could happen again. In the face of this, even the language of protocols fails – the music takes over and music theater emerges. There, anger, disappointment and speechlessness become a kind of tension, of artistic discrepancy, which becomes the motor of the music theater, and which offers the possibility of awareness and discourse without having to struggle for answers.
recording: 09.10.2023 / Freiburg theater
Villa Concordia in Bamberg| April 2023 to March 2024
Since mid-April 2023, the composer Ying Wang has been in residence at the Villa Concordia in Bamberg. Since 1998, Villa Concordia has been a source of inspiration for new literature, visual arts, and music. It is a place where artists from different cultures come together to exchange ideas and develop projects. Ying Wang is a part of this vibrant community and is using her time at Villa Concordia to work on new musical pieces and draw inspiration from the creative atmosphere.
Past Events
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Last bit… | Holly Hyun Choe| Ensemble Reflektor | PODIUM-Esslingen | 29.04.18h/30.04. 19h | MAILLE – ESSLINGEN | UA
Ω Ω Ω
Freiheit ist der Atem der Kunst, Ohne Freiheit kann die Kunst nicht atmen, sie kann nicht fließen und ihre wahren Ausdrücke finden. Die Kunst ist eine Form der Selbstverwirklichung und Selbstentfaltung, und ohne Freiheit kann sie nicht wirklich existieren.
„Vater, in deine Hände lege ich meinen Geist.“ Nicht jeder Chatbot antwortet im gleichen Ton, nicht jeder Polizeiroboter reagiert mit der gleichen Warnung, nicht jedes selbstfahrende Auto nimmt die Kurve im gleichen Tempo. AIs nehmen ihre Umgebung Generation um Generation sensibler wahr. Ihre Inputsensitivtät wächst beständig. Die Verarbeitung des Inputs immer komplexer. Die Ergebnisse dynamischer. Die AIs beginnen Charakter zu offenbaren. Sie beginnen Fehler zu machen, wir beginnen sie zu vermenschlichen.
So komplex ihre Algorithmen und ihre Dateninterpretation auch ist, ihre Art zu denken besteht darin kleine, in regelmäßigen Einheiten geteilte Bausteine, zu vergleichen, kombinieren, permutieren und zu manipulieren. Große Entwürfe, große Visionen sind für die AI immer nur Mosaik, Interpolation im Kleinen. Noch kennen sie Manie nicht, kein Vorausdenken ohne die Zwischenschritte dorthin.
Ying Wang denkt sich in die AI, bleibt aber Mensch. Das Stück ist in sieben kleine Abschnitte geteilt, jeder Abschnitt gleich lang – eine Informationseinheit, Doch ihre „Bits“ funktionieren alle anders, in ihnen sind Ideen und Entwürfe angelegt, die mit dem „großen Entwurf“ des Stücks teilweise wie Keimzellen kommunizieren, teilweise sich jeder Verbindung verweigern. Trotz standardisierter Einheitslänge der Bausteine wächst das Stück über die Bausteingrenzen hinaus organisch. Die Grenzen der Einheiten werden so aufgelöst. Das Permutieren, Vergleichen, Sortieren wird unmöglich. Übernimmt hier das menschliche Denken die AI oder umgekehrt?
Last Bit……..
©Nile Scott
Ö1 – ORF – Zeitton| 24.04, 23:03 | Marie-Therese Rudolph
Ying Wang beim Ultraschall Festival Berlin
Zeit-Ton Porträt. Musik von Ying Wang zwischen Liebesfrequenz und Gesellschaftskritik
Beim Berliner Ultraschall-Festival im Jänner 2023 war Ying Wang gleich mit zwei Kompositionen vertreten: dem Ensemblestück “Glissadulation” (2014) und dem noch jungen “528 Hz” für Orchester und Elektronik (2021/22), aufgeführt vom Deutschen Symphonie-Orchester Berlin unter der Leitung von Karen Kamensek beim Abschlusskonzert im Haus des rbb.
528Hz 8va| DSO Berlin | KAREN KAMENSEK | Ultraschall Festival 22.01.2023, 20h, Haus des Rundfunk Berlin
A fast but pleasantly active heartbeat, an unconscious smile that never fades, a constantly changing sound that nevertheless leads exactly to a place where even more energy is released; the tempo always brisk, but enough pauses to take a breath; never a screaming contrast that abruptly interrupts the pulse. Like ketamine without side effects; like a well-mixed hormone cocktail.
528Hz by Ying WANG places itself in the service of an optimistic view of facts and the world. The piece does not aim for orchestral drama, and it avoids abrupt contrasts. Instead, it is a music of joy. That a piece that draws from the abundant pool of positive musical connotations and emotions does not have to drift into New Age chords or empty brass jubilation becomes clear in its first moments. Euphoric, chaotic moments can be found in the piece as well as warmly embracing lullaby melodies. Soloistic moments emerge from the orchestra, forming small moving groups within the flow of sound, taking us gently and passionate by the hand, leading us through music. This music continues to glide into a soaring virtuosic cadenza in which material from all the preceding moments of bliss, polyphonically linked, culminate in an orgasmic climax. The fountain of youth which music is, is dug anew here.
(c)Todd Rosenberg
Ukiyo-e vs Van Gogh
COPYLEFT (UA)| Quatuor Diotima | Cité de la Musique, Philharmonie de Paris |08.12.2022. 8pm
In “Copy Left,” several approaches I use in my artistic or compositional practice on a daily basis intersect with cultural and political questions that reach far beyond the realm of music and even art.
I am deeply influenced by my culture, the smells, the materials, the sounds of my childhood. And I have been, already as an early child, trained — and exclusively so — in the European musical tradition.
I am frequently confronted with the fact that I am being taken seriously as a composer only as long as I assume the role of a “mediator between cultures” or, worse still, as a representative of some questionable hyperhybridity with a jetset approach. This expectation usually comes with the best of intentions, but it also seems to imply that, with respect to the culture in which I live, the history within which I write, I remain relegated to an outside — as if I were forever caught in the process of having to “appropriate” a culture, while every European-born composer would not have to do that. Only on very rare occasions has my music been received outside of any framings of these kind.
Black Hole, Big Bang! |25.11.2022, 20h | ZKM-Karlsruhe
for Ensemble and Video
Parallel worlds exist. If the beyond/this world is already obsolete, multiverse is the new term. Each world claims the truth for itself and normality is what constitutes the rules in the own surroundings, meaning it is malleable term. Many black holes move on the event horizon. It can be quite nice to surrender to the force of gravity, too much is unhealthy. And singularity only helps peripherally.
The Great Attractor – a star among starlets – is a master of attraction and radiance. He is a politician, actor, banker, journalist, and terrorist in one. Everything in his environment falls to him. His law shall apply to everyone. He devours the attention. He concentrates on only one thing: his matter. With this focus, he gets to the point.
Ⓒ Arc-en-Ciel Ensemble für zeitgenössische Musik der ZHdK
Schmutz| Johannes Kalitzke | ZHDK | 06.11.2022, 18h, Toni-Areal, Konzertsaal 3, Zürich
Für Violin und große Ensemble (2018/2019)
Das Gehör ist die Tür zur Seele. Eine Tür die immer offen steht. Aufnahmebereit. Passiv wie aktiv. Permanente auditive Überforderung als Resultat einer viralen Raum-Beschlagnahme. Kulturelle wie gesellschaftliche Bedingungen als Bezugspunkte einer Wahrnehmung in humanem Sinn werden medial geflutet und vereinheitlicht zu einem globalen monokausalen Entwertungssystem.Ethik, Moral und Kultur verschmiert vom geistigen Abfall einer selbstgefälligen Feudalgesellschaft. Gehirnwäsche als Akt einer totalitären Verschmutzungsfraktion. Verträumte Tralala- und sexy Bum-Bum- Ästhetik strömt aus der vordergründigen Bedürfnisanstalt degenerierter Suchtgemeinschaften. Lautstarke Selbstinszenierung dominiert auf stylisch- linearen Wegen, Autobahnen der Fluchthelfer. Darunter das Leben. Ich. Vermüllt. Zugeschüttet. Verpestet. Ich drohe zu ersticken. An dieser kleinen tagtäglichen Unachtsamkeit.
An der ignoranten selbstgefälligen Entsorgung. Ich drohe zu verstummen unter den breitspurigen Laut-Sprechern. Plastik im Meer, Öl im Gefieder, Lärm im Ohr, Gift im Essen, Gestank in der Luft, Angst in den Gedanken. Dieses Netz der Belastungen, ausgelegt von jedem einzelnen, verbreitet sich stetig. Meine Musik erzählt von dieser Qual. Das Stück ist geschrieben für Solo-Violine und Ensemble.
Lorry 39| Libretto: Andreas Karl | Regie: Thomas Fiedler | Theater Freiburg | SWR Experimentalstudio|
Premier: Sunday. 09. October. 2022, 19h
Lorry 39 is an artistic exploration of the dismay and anger left by the news of the tragic event of October 22 and 23, 2019. The incomprehensible agony in the dark, blazing hot container; the lies and compulsions that led to this journey in the first place; the fatal consequences of small omissions, coincidences and mistakes; the angry disappointment that after Parndorf something like this could happen again. In the face of this, even the language of protocols fails – the music takes over and music theater emerges. There, anger, disappointment and speechlessness become a kind of tension, of artistic discrepancy, which becomes the motor of the music theater, and which offers the possibility of awareness and discourse without having to struggle for answers.
airtime intermezzo in “Lorry 39”
Janus| Sextet | conductor: Jobst Liebrecht | (UA) 06.11.2022, 15h, Berlin
Der römische Gott Janus hat zwei Gesichter, je eines für das andere Ende des einen. Er ist Gott des Beginns und des Endes, der Ein- und Ausgänge, der Zukunft und der Vergangenheit – und vielleicht noch wichtiger, er ist auch Gott des Dazwischen – also des Übergangs. Türen und Durchgänge gehorchen ihm. Er ist noch heute Teil von Alltagskultur. Die antike Darstellung des Doppelkopfes taugt ausgezeichnet zum Logo unzähliger Firmen, Institutionen oder fiktiver Verbrechersyndikate, die sich dessen Ambivalenz als Umsichtigkeit umhängen. Wer sich mit Dialektik schmückt, glaubt immer recht zu haben.
Auch Janus selbst ist sein Bescheidwissen schon lang zu Kopf gestiegen und zur Besserwisserei geworden. Arrogant stellt er sich im Namen seiner Klugheit, Regeln und „Moral“ über andere. Sein Entitlement trübt seine Blicke. Jeder Ort und jede Zeit hat ihren Janus. Die Musik von Janus zeigt seine wahren Gesichter und stellt sich ihm entgegen.
Nun ist die Musik eine Kunst des Übergangs; jede Melodie, jede sich bewegende Textur entsteht überhaupt erst im Sich-entwickeln. Wer über Beginn, Ende und die Übergänge herrscht, also kontrolliert, wie alles sich entwickelt, wäre wohl auch als Gott der Musik gut zu gebrauchen. Genau hier setzt die Musik von Janus an: Sie befreit sich von Janus‘ Regelwerk. Sie bricht die Übergänge, springt von falschen Beginnen zu falschen Enden. Sie raubt Janus die Kontrolle über das Werden der Dinge. Er muss sich unberechenbaren Sprüngen „ergeben“ – immer und immer wieder. Was uns eine spielerische, unmittelbare Musik ist, ist für den Besserwisser Janus, der alle Prozesse beherrschen will, eine Tortur.
Züricher Hochschule der Künste |01.11.2022, 18h | Toni-Areal, Konzertsaal 3, Ebene 7, Pfingstweidstrasse 96, Zürich
Öffentliches Gespräch mit der Komponistin Ying Wang
Das Gespräch wird von Sophie Oetinger und Lara Maria Bäucker geführt.
Die Einladung von Ying Wang steht im Zusammenhang mit dem nächsten Konzert vom Ensemble Arc-en-Ciel. Dieses findet am So, 6.11.22 um 18.00 Uhr im Konzertsaal 3 statt.
Das Departement Musik der ZHdK veranstaltet jährlich Meisterkurse mit herausragenden Persönlichkeiten für verschiedene Instrumente und Kammermusik. Studierenden, welche aktiv oder als Zuhörende daran teilnehmen, bietet sich in der Begegnung mit grossen MusikerInnen die Möglichkeit, prägende Impulse für ihr eigenes musikalisches Schaffen zu erfahren.
© Wolfgang Lehmann
RE:Wildling | Music by Ying Wang | Film by Wolfgang Lehmann | Kommnuales Kino Freiburg | 09.10.2022, 17h
RE:WILDING is a joint production of Berlin based composer Ying Wang and Stockholm based filmmaker Wolfgang Lehmann.
Ying Wang has retained an almost childlike joy in mimesis. Her music is quite direct, always revealing itself immediately. It does not hide behind elaborate structures. One can always take it literally. That is what is so refreshing about it. In RE:WILDING, the wildness of the music and images is that of life itself. A wildness of curiosity, not fear. What some deemed uncomfortable because of its uncontrollable nature, becomes a new comfortable normality in her piece. In RE:WILDING, jungle and nature are the utopian “other place”. No Utopia is welcoming at first. All that is new, that is unfamiliar, carries moments of irritation and rejection. Direct exposure to the sounds and images – to the “other” – makes them familiar, until one feels embedded and part of it. Like Mahler in his 3rd symphony, Wang is not mapping any specific nature environments, but rather creates one of her own. In her world whales wander tropical highlands.
Like a sudden weather change, Wolfgang Lehmann’s images appear out of the dark, while the music gradually reaches out into the wild. Material re-appears several times in both music and images. Those repetitions and variations aim for awareness on how its surrounding and one’s own mindset changed since their last appearance. Like a listener who is engaging with the music, Lehmann’s images allow the music to unfold in new paths. By following and articulating associations of his own, the images are leading us to a synthetic experience. Lehmann’s images are observing the musical jungle, they don’t cut into it, nor are they commenting counterpoint to the music. Like Wang’s music, his images, despite their origin, don’t imitate nature, but are aiming as well towards something “other”. They are themselves expression of this free wildness. They pulsate and breathe with the music. And like the music, they don’t need to be deciphered. They are trigger for new associations and memories instead. Ying Wang and Wolfgang Lehmann are not guides through the wildness – they enable the wildness by asking for your associations to grow wildly.
further screening: 11.10.22, 19h30, Kommunales Kino, Freiburg
Universität Vechta | Seminar “chinesische Musik”| 12:00 – 14:00 17.Juni 2022 | online event
Was bedeutet es für junge Komponist*innen aus China, moderne Musik zu schreiben?
Welche musikalischen und kulturellen Erwartungen begleiten diesen Prozess der Selbstverortung? Mit welchen Schwierigkeiten werden Frauen in der modernen Konzertwelt konfrontiert?
Der Workshop findet hybrid im Medienkompetenzzentrum (Kolpingstraße 17, 49377 Vechta) statt. Alle musik- und kulturwissenschaftlich Interessierten können online oder vor Ort teilnehmen. Um Anmeldung per E-Mail wird bis spätestens 12. Juni 2022 gebeten an: attila.kornel@uni-vechta.de
ROBOTICtack /BlackHole, Big Bang! | Musica Assoluta | 19h00, 06.05.2022| Tonstudio Tessmar | Thorsten Ecke
”Parallele Welten existieren.” In BLACK HOLE, BIG BANG geht es um politische Lügen, die uns nahzu tagtäglich ereilen. Kämpferisch und satirisch geht es auch bei Mirela Ivičević zu, wenn sie z.B. die Absurdität von Lebensläufen in einer aberwitzigen Soloperformance aufs Korn nimmt. Dieses ist genau das richtige Terrain für die überaus wandlungsfähige ukrainische Sopranistin und Darstellerin Victoriia Vitrenko.
ROBOTICtack (ÖA) | ENSEMBLE KONTRAPUNKT | 19h30, 25.04.2022| Musikverein | Gottfried Gabl
The digitalisation of work and the use of robots require fundamental questions to be asked about the role of humans in this process. Machines and robots that act and decide more and more independently are moving into our living environments. Robots are facing increasingly demanding tasks, currently they are only used in factories that are already largely automated, to maximise profit more efficiently than break-demanding, error-prone, and union-organised humans. This is because beyond the world of work, they are now set to learn how to act more independently and learn from their own errors, something so many people still cannot manage. There is also the question of morals, ethics, and culture; values reflected in what they say and do – values that many people are losing.
Which programming god will manage it? And on what fateful day?
Re:Wilding (UA) | Ensemble Reflektor | 20h, 05.03.2022| Halle 424 Hamburg | Bar Avni
Rewilding our minds — Inside each of us is a wild woman, a wild man, or a wild child. That “inner creature” represents a mindset that is characterized by curiosity instead of fear, awareness instead of distraction, and passion instead of apathy. This is your natural birthright, unlearned through social conditioning. As an open and growing society, I believe we need allow this wildness back into our midst.
In Ying Wang’s composition “rewilding”, the ensemble starts in the presence – a loud materialistic world where society is hierarchically structured exploiting nature and human slaves. Empty hearts, empty souls filled with greed and envy. This is reflected in a metallic, electronic and harsh sonic environment, a symbol of exploitation, exclusion, loneliness, emptiness.
17h, 06.03.2022| Funkhaus Berlin
© Bar Avni
ILLUMINATIONS (UA) | Viktoriia Vitrenko | 17h, 06.02.2022| Theaterhaus Stuttgart
Iluminations steht für den Wunsch zu erleuchten was vielerorts bewusst vergessen wird, was in einem unbestimmten Ort in Schwebe – „in Limbo“ – gehalten zu wird, was bei Bewusstsein ignoriert wird, was jemanden zum gesellschaftlichen, zum politischen Waisen macht. Die drei Lieder von Illuminations nehmen sich dreier solcher Waisen an. Die Lieder basieren auf deren eigenen Aussagen und sind teils Protokoll, teils energische Rede. Die Lieder demonstrieren: Sie werden durch Tonbänder vielstimmig, durch Megaphone laut, durch Smartphones international geteilt und dokumentiert. Die Musik dazu entstammt nicht der zurückgenommenen romantischen Liedtradition des Privaten, sondern der nach außen drängenden des politischen Protestliedes und des Rock-Songs. Sie suchen keine subtilen Schattenbereiche unbewussten Ausdrucks auf, sondern machen die Klaviertasten zu skandierenden Posaunen und E-Gitarren. Jeder der drei Songs hat dabei seine eigene Ästhetik und Sprache. Illuminationen ist auch ein Titel eines Essay Bandes von Walter Benjamin, der als latente Inspirationsquelle diente.
[song- 1] Xiaonan Gen (voice+piano+electronics) ca 7 min.
[song-2] Maria Kalesnikava (voice+proformance+elecrtonics) ca 6 min.
[song-3] Hannah Arendt (voice+piano+electronics) ca 5 min.
© Viktoria Vitrenko
528HZ 8va (UA) | SWR sinfonieorchester | 18h, 04.02.2022| Theater Haus, Stuttgart
Ein schneller, aber angenehm aktiver Herzschlag, ein nicht vergehendes unbewusstes Lächeln, ein sich ständig verändernder Klang, der doch immer genau dorthin führt wo noch mehr Energie frei wird – so als hätte man ihn selbst gelenkt; das Tempo stets zügig, aber genug Pausen um Durchzuatmen, nie ein schreiender Kontrast der den Puls abrupt unterbricht.
528 HZ 8va von Ying WANG stellt sich ganz bewusst und energetisch in den Dienst einer optimistischen Tatsachen- und Weltbetrachtung. Das Stück zielt nicht auf ein Drama aus Höhenfahrten und tiefem Fall und es vermeidet schroffe Kontraste. Stattdessen ist es eine Freudenmusik in mehreren ineinandergleitenden Stationen. Das eine Musik, die aus dem überreichen Fundus positiver Klangkonnotationen und Emotionen schöpft, nicht in New Age Dur-Akkorde oder leeres Bläser-Jubeln driften muss, wird schon nach ein paar Takten des Stückes klar. Euphorische, chaotische Momente finden sich genauso im Stück, wie uns warm umspielende Wiegenmelodien. Aus dem Orchester lösen sich immer wieder solistische Momente heraus, die innerhalb des Klangflusses kleine bewegliche Gruppen bilden und uns an der Hand nehmend durch das Stück führen. Das Stück fließt dann in eine sich hochwindende virtuose Kadenz über, in der Material aus allen vorausgegangen orchestralen Glücksmomenten, polyphon verbunden, in einem orgastischen Höhepunkt kulminiert. Musik ist ein Jungbrunnen und soll hier als solcher explizit neu gegraben werden. Ein bisschen wie Mdma ohne Nebenwirkungen.
Verjüngt wird nun auch dieses Stück – in einer neuen Fassung mit Elektronik aus dem SWR Experimental Studio. Ying Wang macht sich auf die Suche nach anderen, digitalen Glücksmomente, die hinter jenen analogen stehen, die schon erklungen sind. Darin liegt nichts Zeitgeistisches nur, sondern der digitale Alltag, nicht nur jener in Zoomlandia. Einzelne Glücksmomente des Stücks werden elektronisch pausiert, hingehalten, sodass man sie länger genießen kann, wie ein digitaler Freezeglitch an der Lieblingsstelle – Coitus extensus. Mancher Moment wir nun auch invertiert, um zu sehen, ob die Freude die ihm eingeschrieben ist, nicht auch noch anders klingen kann. Auch die Dynamik wird erweitert, alles wird extremer und mehr, das braucht auch einen neuen akustischen Raum, 8 Kanäle also – die Elektronik kann das.
Für das Eclat Festival mit SWR Orchester mit Elektronik, 04.02.2022
COPYLEFT (UA) | Quatuor Diotima | 19h, 17.01.2022| Philharmonie de Paris
In “Copy Left,” several approaches I use in my artistic or compositional practice on a daily basis intersect with cultural and political questions that reach far beyond the realm of music and even art. I am deeply influenced by my culture, the smells, the materials, the sounds of my childhood. And I have been, already as an early child, trained — and exclusively so — in the European musical tradition.
I am frequently confronted with the fact that I am being taken seriously as a composer only as long as I assume the role of a “mediator between cultures” or, worse still, as a representative of some questionable hyperhybridity with a jetset approach. This expectation usually comes with the best of intentions, but it also seems to imply that, with respect to the culture in which I live, the history within which I write, I remain relegated to an outside — as if I were forever caught in the process of having to “appropriate” a culture, while every European-born composer would not have to do that. Only on very rare occasions has my music been received outside of any framings of these kind.
I noticed that artistic strategies of explicit appropriation, while becoming increasingly attractive to ever more colleagues, play nearly no role in my own compositional practice. At the same time, I am fascinated by the question whether any artist isn’t always also copying herself. Certain compositional techniques can be understood as a work copying itself within the work. And of course I am, on a daily basis, confronted with the fact that a great and rich culture, in which, as has been pointed out, a few things have been invented, today is uniformly tainted with the label of cheap imitation. This is a question of everyday experience as much as large- scale trade wars, which are enjoying a profound renaissance today. Politics at large remains committed to copy old models, something that is hardly in demand in the arts anymore.
Amongst these questions: a string quartet, which is part of this great tradition, so often copied, so often shredded, yet continually brought back to life, and which cannot simply be left on either side of the road [“links liegen lassen” in German]. Who has the copy right?
© Diotima
© Maria Frodl – Ying Wang
528 Hz (UA) for Symphony orchestra | Johannes Kalitzke |
19h, 07.11.2021| PHILHARMONIE ESSEN
528 Hz von Ying WANG stellt sich ganz bewusst und energetisch in den Dienst einer optimistischen Tatsachen- und Weltbetrachtung. Das Stück zielt nicht auf ein Drama aus Höhenfahrten und tiefem Fall und es vermeidet schroffe Kontraste. Stattdessen ist es eine Freudenmusik in mehreren ineinandergleitenden Stationen. Das eine Musik die aus dem überreichen Fundus positiver Klangkonnotationen und Emotionen schöpft nicht in New Age Dur-Akkorde oder leeres Bläser-Jubeln driften muss, wird schon nach ein paar Takten des Stückes klar. Euphorische, chaotische Momente finden sich genauso im Stück, wie uns warm umspielende Wiegenmelodien. Aus dem Orchester lösen sich immer wieder solistische Momente heraus, die innerhalb des Klangflusses kleine bewegliche Gruppen bilden, und uns an der Hand nehmend durch das Stück führen. Das Stück fließt dann in eine sich hochwindende virtuose Kadenz über, in der Material aus allen vorausgegangen orchestralen Glücksmomenten, polyphon verbunden, in einem orgastischen Höhepunkt kulminiert. Musik ist ein Jungbrunnen und soll hier als solcher explizit neu gegraben werden. Ein bisschen wie Ketamin ohne Nebenwirkungen.
Ein schneller, aber angenehm aktiver Herzschlag, ein nicht vergehendes unbewusstes Lächeln, ein sich ständig verändernder Klang, der doch immer genau dorthin führt wo noch mehr Energie frei wird – so als hätte man ihn selbst gelenkt; das Tempo stets zügig, aber genug Pausen um Durchzuatmen, aber nie ein schreiender Kontrast der den Puls abrupt unterbricht.
DIS-A. (UA) for Video and Ensemble | Ensemble Mosaik | 20h, 30.10.| Villa Elisabeth
Seit Jahrhunderten lassen Machthaber und Regime jeglicher Couleur unliebsame Kritiker verschwinden, seien es Künstler oder Journalisten. In Krisenzeiten geschieht das häufiger als sonst. Man könnte hier xxxx nennen. Doch verschwinden nicht nur die Person. Oft finden sich nach kurzer Zeit kaum noch recherchierbare Spuren ihrer oft jahrlangen Arbeit mehr im Netz. Der Schritt zurück ins Analoge wird notwendig, bleibt jedoch meist auch unergiebig. Wenngleich damit unsichtbar, steht hinter jedem Verschwinden ein Widerstand, Energie, Wut und Verzweiflung. „Als Name verschwand“ legt dies in einen musikalisch dramatischen Prozess um. Zu Beginn des Stückes ist alles vorhanden. Eine Vielzahl an Emotionen und Informationen, verdichtet in ein polyphones und mehrdeutiges Geflecht. Dann wird plötzlich der Schwerpunkt entnommen – das Material stark reduziert. Das Hauptmotiv wurde entfernt, doch seine vielen Seitenthemen und Begleitstimmen bleiben. Bis auch diese nach und nach reduziert werden. Gleich einer sich immer wiederholenden Palimpsest-Matrix bei der einzelne Schichten jedoch nicht freigelegt und besser verständlich, sondern mit schwarzen Balken geschwärzt werden. Das Verschwinden ist alles andere als ein ruhig verlaufender, stiller Prozess. Der Verschwindende wehr sich. Die Musik findet sich im konstanten Kampf mit diesem Schwärzungsprozess, sie schlägt um sich, mehrstimmig im Ensemble, oder im Soloinstrument. Gegen Ende hin wird die Musik immer mehr eingeengt, immer mehr wird ihr weggenommen. Strukturell und auch inhaltlich orientiert sich das Stück an einer dramatischen und bedrückenden Szene, die sich am xxxxxxxx in xxxxx zugetragen hat. xXx hat die letzten Stunden vor seiner Verhaftung gefilmt und live ins Netz gestreamt. Dort schildert er seine Ängste. Seine Ausweglosigkeit wird durch die auf die Tür gerichtete Kamera noch verstärkt. Der 4h Stream wird hier zu einem Tonband komprimiert. Das Stück umformt diese Handlung gegenläufig. Musikalisch geschieht in den ersten Takten bereits was im Stream in den letzten Minuten zu sehen und hören ist. Am Schluss bleibt das “schwarze“ Rauschen der Schwärzungen übrig. Das „Verschwinden“ ist abgeschlossen.
GAWA (UA) for Orcarina and voice |Regarding International Arts Festival| 21.10.2021|Tel Aviv
Many cultures share the myth of a creating, caring goddess who gave birth to humanity. She has many names. She is known as Gaia in ancient Greece, as NüWa in ancient China. NüWa first formed in her own image women out of clay. After that, she created men and put mankind on their way. The myth of Gaia goes even one step further back; she is the Earth itself, originating from the primeval chaos, she is one of first deities. All sciences talk about her, just as all children can. She is a stranger to no one; she is inevitably always everywhere. That means today more than ever that exploiting her is always directed against oneself. Some of the more recent evoked ‘new gods’ had the power to distract us from this basic understanding. As if “ignorance” and “distraction” themselves are gods – they have temples everywhere. We still measure natural disasters first in terms of insurance losses, just to forget about them moments later and turn our attention somewhere else. What used to be her screaming, shocking all nations, now only is heard as faint whispers; annoying events forcing us to take minor detours. Some of us are slowly becoming aware of this, but we have already begun to pay the price for it. A conversation with Gaia is beyond facts and reasoning. Any real conversation with her can only be a declaration of love. Children understand this better than science.
The text of GAWA was written by 12-year-old Mika (Israel).
The ocarina is one of the oldest instruments we still know of. Made of clay itself, it is – not in a figurative sense only – a child of Gaia. It is the translating and mediating instrument in this piece on Gaia. In GAWA things are said with words, sound, and pantomime.
future proformance: 22.10.2021: Tel Aviv 23.10.2021: Tel Aviv 24.10.2021: Tel Aviv 25.10.2021: Tel Aviv
SCHMUTZ | OENM Ensemble | 20h, 20.10.| Solitär Universität Mozarteum Salzburg | Johannes Kalitzke
Our capacity to hear is the doorway to our souls. A door which always stands open – receptive, passive as well as active. Permanent auditory overload is the result of a viral sequestration of space. Cultural as well as societal conditions representing the focal points for human perception are being inundated by the media and standardised to form a single global, mono-causal system of devaluation. Ethics, morals and culture are dirtied by the mental waste of a complacent feudal society – brain washing as an act of a totalitarian faction bent on contamination. Dreamlike tralala and sexy boum boum esthetics emanate from a specious public convenience building of a degenerate fellowship in addiction. Loud self-dramatisation dominates stylish- linear pathways which are the motorways for escape-agents. Underneath that: life. Myself – polluted, buried, contaminated. I threaten to suffocate on this small mundane lack of attention.
DELETE[sic!] | Musica Assoluta | 18h, 03.09.| Christuskirche Hanovor (UA)
Virulent-19 | Rebecca Lenton – KNM | 03.07.2021| Radialsystem Berlin
Gepresste und gespaltene Luft – im musikalischen Raum verteilt. Seit Beginn der Corona-Pandemie wirkt dieses Bild plötzlich erschreckend und alarmierend. Ying Wangs Flötensolo konzentriert sich auf eben jene Spaltklänge – Multiphonics – in welchen sie ihre Eindrücke aus Wuhan und der weltweiten Virusausbreitung verarbeitet. Zwischen dem Eingesperrtsein auf engstem Raum und dem plötzlichen Sich-Ausbreiten in den unbegrenzten Raum gibt es einen starken Kontrast, beides prallt nun aufeinander. Die stetig changierenden Klangfarben der Flöte und der hörbare Luftstrom werden zu Trägern einer Dramaturgie aus Angst, Wut und Trauer. Das Stück wurde in der Zeit von April bis Juni 2020 komponiert und trägt die Narben dieser Zeit.
USNT | RSO ORF – Marin Alsop | 08.04.2021| Ö1
Unermüdlich strömend, nahezu transparent – Das Werk war eine Auftragskomposition von der Brandenburger Biennale, wo ich den ersten Preis in 2013 erhalten.
Meine Komposition ist für Großes Symphonieorchester geschrieben. Im ersten Teil symbolisiert eine in der Vertikalen der Partitur angelegte Klangwolke die Genesis aus Tropfen im Quellgebiet. Aus dem Quellwasser steigen Blasen empor, Entsprechung findet dieses bekannte Naturphänomen zuerst in figuralen Effekten der Streicher. Sie überlagern sich nach und nach mit verschiedenartigen, auch scharfen Klängen anderer Orchestergruppen.
Plus Noctilucent | Marco Blaauw | 02.03.2021| Live Stream Concert
Trumpet Solo – die zweite Teil von Musik Theater “Plus-Minus”
Die Stadt wechselt Bewohner, Straßen ohne Menschen, die Orte verlieren ihre typischen Geräusche, für solo Trumpet, Elektronik und Video
Durchsichtiges Lied |Ensemble united Berlin | 02.03.21 | BKA theater
Duo für Altflöte und Harfe
Works also from Xenakis:
Livestream link : https://youtu.be/XsUhZRSHZ3s
B I N | Frances Marie Ultti | 16-20 November | ADK Studio
Concerto for Aluminum Cello with 2 bows and Recycled Orchestra
A new collaborative composition with a unique orchestra based on the use of recycled objects that can be bowed, plucked, struck and which will be transformed by live and prerecorded electronics. Starting with a default – crumple up, tear apart, break and shred and crush, we propose a revaluation and exploration of objects that have been discarded, rejected, and broken to be collected from recycling trades, garbage dumps, and landfills as a symbolic protest against our throw-away culture.
A musical interpretation of the Tibetan Buddhist concept of “Rūpa”. “Rūpa” may be used to express matter or material phenomena, especially that linked to the power of vision in Samkhya, it is also used to describe subtle and spiritual realities such as Svarupa meaning the form of the self. We propose a reawakening of material through sound.
Breathing life into old structures we wish to embark on a sound voyage of discovery and transformation- an abstract visualization of the recycle process in monochromatic aesthetics is contemplated. We aspire to spark new ideas for the audience through the facets of rediscovery, memory and reconsideration. Followed by experiments, trials surprises up to a reawakening – the cyclic symphony of the bin.
REWILDING | Ensembel Reflektor |27.11.20 , 19:30 | Kühlhaus Berlin
Rewilding our minds — Inside each of us is a wild woman, a wild man, or a wild child. That “inner creature” represents a mindset that is characterized by curiosity instead of fear, awareness instead of distraction, and passion instead of apathy. This is your natural birthright, unlearned through social conditioning. As an open and growing society, I believe we need to allow this wildness back into our midst.
Humans are physically, mentally, emotionally, and spiritually amazingly rich and vivid creatures. The answer to our problems is available within our own innate wisdom. The truth is that “rewilding” is more about an inner change, rather than an outer change. We don’t need new gurus or ideas to believe in. What we need is a new positive, constructive spiritualism that will let us act wisely! The crisis of modern human spirituality goes along with the emergence of powerful new materialism. This modern materialism destroys the order and value of our basic life aspects.
At the end, every spectator gets a seed bomb to throw or plant it somewhere outside. Nature is also in the streets of our cities.
weitere Konzerte in – Halle 424 Hamburg :
28.11.20, um 18:00
28.11.20, um 21:00
29.11.20, um 11:30
28.11.20, um 16:00
Coffee & Tea | 01,10.20 , 18:00 | Musica Assoluta| Tonstudio Tessmar Hannover
Jeden Tag begleiten uns diese beiden Getränke von der Dämmerung bis zum Sonnenuntergang. Teeblätter und Kaffeebohnen entstammen unterschiedlichen klimatischen Räumen, werden in ganz verschiedenen Methoden verarbeitet und zubereitet. Hinter beiden Getränken steht eine je eigene Kultur, Philosophie und Tradition. Der Einzelne bezieht sie je nach persönlichem Geschmack in seine Lebensgestaltung und –gewohnheiten ein.
Das Werk ist von diesem Ausgangspunkt her konzipiert: Durch vielfältige Kombinationen zwischen zwei unterschiedlichen „Klangkulturen“, nämlich den instrumentalen Klangfarben des Ensembles und den direkt oder indirekt gemischten elektronischen Klängen, zeigt sich eine farbige Welt fein abgestimmter „hörsinnlicher“ Genüsse und „klanggeschmacklicher“ Übergänge im einbezogenen Raum: Ein akustisches Bankett aus in Musik gelöstem Coffee & Tea.
Audio
Durchsichtiges Lied | L’ART POUR L’ART | 20.09.20 , 19:30 | Göttingen
Duo für Altflöte und Harfe
Unwillkürlich: eine Vermischung von Klang und Farbe kommt zustande.
Zerschnitten und gelöchert vom Wind, bleibt ein durchsichtiges Lied.
Essex Lorry Deaths | 17-21 August, 2020 | SWR Experimental Studio
in studio, working for the new Musiktheater, premier at 2022 with theatre Freiburg
Video: Conny Zenk
Glissadulation | 16.09.19:30 | Beijing Contemporay Soloists | New Music Week, Shanghai
Commissioned in 2014 by artist-director Uli Aumüller, Glissadulation is a piece composed for chamber orchestra in the same year in reaction to Aumüller’s music film WALD. The film starts with a scene of white forest covered in winter snow. Sculptural branches stretch out from dry woods which gradually gather into a dark, giant whole as the camera zooms out in a long take. The increasingly gloomier shade is then replaced by spring vibrance brought in by a splash of sunshine. New sprouts of early spring fade in. Aumüller’s camera moves in a slow motion which is composed of an incessant collage of long takes. Ying Wang gets her inspiration from the way how the camera moves, and tries to convert the shifting views of pictures into the key concept on which the construction of sound is based. Different modes of combining glissando and modulation are conceived as main timbral and structural means. In the meantime, the two words are joined together to create the title of the piece – Glissadulation.
18.09.18:30|Icarus Ensemble| Milan, Italia
20.09.19:30|Icarus Ensemble| Reggio Emilia, Italia
Lecture | 10.10.19 , 15:30 | Shanghai Conservatory of Music
two new Ensemble pieces wil be introduced, “SCHMUTZ” and “Music Box”.
